來自台灣的獨立樂團 chirrp.，音樂⾵格遊⾛於Shoegaze、Dream Pop 與 Post Punk 之間。自 2018 年成軍以來，他們歷經成員更替與短暫沉澱，逐步凝聚成如今穩定而鮮明的四人編制。
2025年7月，他們發表首張專輯《Lurid》，以失真結他與呢喃人聲為核心，建構出一場持續流動、彷彿永無止境的夢境，在聲響層次的安排與情緒張力的拿捏上展現出細膩掌握。他們的音樂圍繞著感知、記憶與時間的交錯關係展開，讓聲音本身成為情緒與意識流動的載體。
在這次訪談中，成員們談及樂團名稱背後的意象思考、創作理念的傳達，以及對 Shoegaze「感受優先於語言」的深刻理解。於殘響與夢境之間，chirrp. 正以屬於自己的節奏，持續向前探索。
採訪撰文 Interview by Bloody Mary (2026.01)
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受後搖滾、後龐克、瞪鞋等音樂風格之影響，喜將破音與空間揉捏而成一堵柔軟但堅實的音牆，接著躲藏於其後，輕輕如鳥鳴般地吐著些幽微且不欲人知的、夢境般的囈語。
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Q. 想請你們聊聊樂團的起點——chirrp. 是在怎樣的契機下組成的？成員們又是如何相遇並開始一起創作的？
起初大約在 2018 年，我和頭（貝斯手）以及初代鼓手組成了三人編制。那時其實大家都還不太懂自己負責的樂器，幾乎是從零開始學，單純因為喜歡聽音樂，就決定湊在一起試著玩玩看，看看能走到哪裡。
2019 到 2021 年間，我旅居柏林工作，期間樂團進入一段相對停滯的狀態。回到台灣後，因緣際會認識了 《Lurid》 的製作人永純（from I Mean Us），並在她的協助下發表了兩首 demo〈Gone〉和〈Running to the Sun〉。隨著作品完成，也開始有演出的計畫，我們希望能補齊編制，於是透過 Facebook 的樂手社團徵求吉他手，收到了永瀚的來信並正式加入。
之後，最初的鼓手離開，輾轉透過朋友介紹認識了木卜，加入擔任鼓手，至此也形成了現在大家所看到的 chirrp. 穩定陣容。
Q. 樂團名字「chirrp.」帶有獨特的意象感，當初決定使用這個名字時，你們心中是否有特別想傳達的象徵或含義？
當初會選擇「chirrp.」這個名字，是因為偶然注意到 chirp 這個詞本身就同時指涉兩種非常不同、甚至有點相反的意思：一方面，它是對蟲鳴或鳥叫那種短促而高頻聲響的泛稱；另一方面，它也可以指對他人說出尖銳、帶有批判或嘲諷意味的話語。我覺得這樣幾乎互相對立的意涵，卻共存在同一個字裡，本身就很有意思。
某種程度上，這也和我們對瞪鞋音樂的理解相呼應——在人聲與器樂之間，主體與客體的關係常常被顛倒，人聲不再是唯一被凸顯的敘事中心，而是被放回整體聲響的一部分。
至於多出來的那個「r」，一方面是因為 Whirr 也有兩個「r」，算是一種小小的致敬；另一方面則是很實際的考量，希望能在 Spotify 上和另一個叫「Chirp」的樂團做出區分，所以乾脆索性多加一個「r」。
至於最後那個句點，其實已經有點記不太清楚當初的理由了。不過後來發現「chirrp.」這個字形看起來很像一隻毛毛蟲，我自己蠻喜歡的，也剛好又呼應回這個詞最原初的意象——鳥與蟲的聲音。
Q. 能否談談《Lurid》這張專輯的創作理念？你們希望透過這張專輯呈現的情感或訊息是什麼？
麟：《Lurid》在創作初期其實並沒有一個預設好的主題，它比較像是在作品完成之後，回頭觀看時才被歸納出來的結果。《Lurid》這個概念，是在「回看」的那個瞬間才真正成立的。這些作品之間存在著某種共通性——它們都在處理「現在的自己，如何觀看過去的經驗與狀態」。那是一種經過時間沉澱後留下的感知殘影，是被時間重新對焦之後的狀態。當回憶被當下的意識再次照亮時，會產生顏色上的偏移與失真，而這個「失真」本身，正是《Lurid》的質地。因此在實際創作的當下，我們只是很單純地在處理各自「當時的狀態感受」。
頭：對我來說，那些往事或幻想中的畫面，就像被丟進水面後擴散開來的漣漪，一圈一圈地延展。
瀚：比較接近一種帶有鄉愁氣息的夢境狀態，是一些只對遙遠故人或過往時刻低聲說出的私密話語。
木：我感受到的是一種近乎自溺的娛樂狀態，在大量殘響與夢幻感之間反覆擺盪、沉浮。
Q. 如果把 chirrp. 的音樂化成一個具象的畫面，你們會如何描繪那個景象？
頭：同上。
瀚：同上。
木：對我而言，那是一幅彷彿隨時可以穿越，卻始終無法真正擁有的畫作，既靠近又遙遠。
Q. 在你們的創作過程中，有哪些樂團或音樂人的作品對你們產生了影響？
麟：Slowdive、DIIV、Alvvays。
頭：Slowdive、DIIV、Soviet Soviet。
瀚：My Bloody Valentine、Slowdive、東京酒吐座、Low、Whirr。
木：Slowdive、she’s green、The Neverminds。
Q. 你們認為 Shoegaze 這個風格最吸引、最能觸動人心的地方在哪裡？
麟：我會認為 Shoegaze 的核心，本質上是一個「感知如何被組織與被經驗」的問題。它的內容並不是透過語言被清楚地傳達，而是直接透過感知本身被經驗。人聲的弱化與後退，並不是缺席，而是為了讓整體聲音成為內容本身。重點不在於「說了什麼」，而在於「怎麼聽」。理解被刻意延後，而感受被提前；在這樣的狀態裡，感知不再只是副產品，而成為了作品的核心。它關於身體如何被聲音包圍、情緒如何在沒有明確語義的情況下被喚起，以及注意力如何在漂移、模糊與堆疊之中展開。
頭：在 Shoegaze 裡，厚重的音牆與朦朧的人聲並不是主角與配角的關係，而是共同構成了一種情緒的霧氣。聲音不斷堆疊、邊界逐漸模糊，讓「感受」取代語言，成為主要的溝通方式。
瀚：那像是在一片霧氣之中持續前行，明明視線模糊，卻仍能在遠方瞥見一縷難以真正觸及、卻始終牽引著前進的細微思緒。
木：是一種可感而不可見的美。
Q.《Lurid》邀請了 Slowdive 的 Simon Scott 負責母帶處理。能否分享一下這次合作是如何促成的？他的參與為專輯帶來了哪些新的觀點或啟發？
在尋找母帶製作人的階段，我們一開始就很明確希望由國外的母帶工程師來負責。《Lurid》進入後期時，偶然發現 Simon Scott 也有承接母帶處理的工作，進一步查找後才注意到，當時我們很喜歡的一些新生代樂團——像是 Attic Ocean——也都是由他完成母帶後製，而那些作品的聲音狀態正是我們所嚮往的。
再加上 Slowdive 一直是團員之間在聲音美學上最具共識的存在，因此幾乎沒有太多猶豫，就決定聯繫 Simon 進行合作。坦白說，他的參與並沒有帶來某種戲劇性的「新觀點」或創作方向上的轉折，而更像是一種自然的銜接——讓作品在完成度上被妥善地收束。
能夠透過母帶這個環節，和一個長期深受影響、也非常喜愛的樂團成員產生實際的合作與連結，對我們而言，本身就是一件非常幸福的事情。
Q. 你們如何看待目前台灣的獨立音樂場景？是否有特別欣賞、或希望未來有機會合作的國內外樂團？
麟：「台灣的獨立音樂場景」這個問題其實非常廣泛，我不太認為以我們目前的位置，能提出什麼足夠客觀、或具產業規模的觀察。或許我們能做的，仍然只是把創作本身持續做好。不過我自己一直很常去小型場館，聽許多新的、規模還不大的、甚至是完全沒聽過的樂團現場演出；我認為，這件事情本身對於整個場景而言，可能才是最核心、也最重要的基礎。
如果談到合作，目前並沒有特別設定的對象。但若要提近年台灣瞪鞋樂團中值得關注的名字，我會選擇 blu mush。他們的音樂整體性與平衡感非常好，對類型的掌握精準，各個樂手也都很清楚地守住自己的位置，是一個完成度很高的樂團，我個人非常期待他們正式作品的發行。
瀚：我覺得現在的台灣獨立音樂場景算是相當生機蓬勃，能有更多人做出不一樣的音樂，也讓更多元的聲音被聽見，本身就是一件很好的事。特別想推薦台灣的瞪鞋樂團 我夢見長頸鹿對我說，他們真的很棒。
Q. 最近在聽或在關注的作品中（不論是音樂、電影或書籍），有沒有想推薦給大家的？
麟：最近正在閱讀的是《地海六部曲》。如果要私心推薦一本 2025 年的年度之書，會選擇姜峯楠的短篇小說集《呼吸》——這是一本非常具有啟發性、也非常美的作品，讀起來節奏純淨卻餘韻很長。特別推薦其中的〈呼吸〉、〈真實的真相、感覺的真相〉與〈大寂靜〉三篇。
電影方面，去年最喜歡的是《長椅小情歌》。它是一部簡潔而輕盈的小品，卻能在觀影之後持續被反覆咀嚼。作品幾乎完全建立在角色對話之上，讓人不禁聯想到《偶然與想像》與《輕鬆＋愉快》。也再次提醒我：創作者是否真的知道自己在談什麼，始終是最重要的事——形式只能服務內容，卻無法取代內容本身。綜合來看，近期的我似乎特別偏好這類相對輕盈、但內在密度很高的敘事方式。
音樂方面，前陣子的「耳朵蟲」是 Sufjan Stevens、Damien Rice，以及 Men I Trust，都是大家相當熟悉、也始終耐聽的創作者。
頭：暫時沒有特別想推薦的。
瀚：目前沒有特別在關注的作品，先保留。
木：最近常聽的是 Ulrika Spacek、Pale Saints，以及 Philip Glass。
Q. 展望未來，你們有什麼創作計劃或方向可以跟我們分享嗎？
麟：近期最明確的計畫會是實體作品的發行。完成這件事之後，樂團層面暫時還沒有設定太具體的長期規劃。就我個人而言，會希望持續探索不同的創作形式，盡可能接觸各種不同類型的藝術作品，也同步思考創作這件事在自己生命中所扮演的角色，以及它和我之間的關係。
頭：希望今年能完成並發行一張 EP。
瀚：持續寫歌、持續創作。
木：製作下一張 EP 為目標，同時也開始為未來的專場演出做準備。
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